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Ce sont près de 400 œuvres de la production (mirifique) de David Hockney (87 ans) des 25 dernières années qui sont exposées par la fondation Louis Vuitton. Elles montrent toute l’inventivité de cet artiste britannique définitivement moderne : peintures à l’huile ou à l’acrylique, dessins à l’encre, au crayon et au fusain, mais aussi des œuvres numériques (dessins photographiques, à l’ordinateur, sur SmartPhone et sur Tablette) et installations vidéo.

On a déjà vu nombre d’entre elles à diverses occasions à Paris où Hockney est célébré depuis longtemps. Mais elles supportent largement la répétition tant elles sont exaltantes. L’inventivité de cet artiste, jamais démentie, et son sens des couleurs tout à fait exceptionnel, fait voir le monde sous ses plus beaux atours.

Un point-de-rendez-vous est installé au centre des plus grandes salles d’où part toutes les quinze minutes une visite-guidée flash concentrée sur certaines œuvres. Les informations données à cette occasion sont précieuses et laissent rêveur devant la créativité du personnage. Il s’est lancé l’un des premiers dans la conception de tableaux à l’aide de téléphone mobile et de tablette (souvent de la marque Apple…), d’abord avec des applications disponibles sur le marché, puis avec un logiciel conçu spécialement pour lui lors des confinements liés à la Covid, période particulièrement productive durant laquelle il était installé au Pays d’Auge en Normandie où il produit nombre d’œuvres désarmantes de simplicité, éblouissantes de couleurs. Evidemment tout est irréel dans sa vision du monde, son œil interprète et transforme l’environnement tel qu’on aimerait le voir, dans lequel on adorerait évoluer.

Souvenez-vous, ni la mort ni le soleil ne peuvent se regarder fixement.

David Hockney

Certaines œuvres sont gigantesques. L’une représentant des arbres au bord d’une route anglaise occupe un mur entier où est accroché l’assemblage de 50 tableaux de taille classique. D’autres suivent le même principe mais sont constituées de multiples écrans où sont projetés des tableaux dessinés à la tablette numérique, ou ces compositions sont simplement imprimées et collées sur des plaques métalliques. Les écrans permettent également de présenter des tableaux dynamiques comme celui d’un crépuscule sur une paysage montagneux. On reste admiratif devant la quantité de travail nécessaire pour concevoir et coordonner toutes les parties individuelles de ces grands ensembles qui matérialisent l’imagination sans bornes du créateur sur toutes ces compositions.

Une salle est consacrée aux tableaux, dessinés de nuit sur une tablette dans son jardin anglais du Yorkshire. Hockney ne nous avait pas habitué à l’obscurité mais là encore il brille et son œil capte la nuit avec la même flamboyance que le printemps. Dans cette salle, deux œuvres sont en acrylique ou aquarelle et s’inspirent manifestement de l’esprit des premiers, purement numériques

Do remember they can’t cancel the Spring.

David Hockney

Ses séries sur les saisons sont remarquables de couleurs et de naïveté. L’artiste dessine des paysages répétitifs d’arbres qui évoluent au cours des saisons au milieu d’une nature parfaite. On a envie de se retrouver dans ce monde onirique et tout simplement beau que le peintre imagine et restitue avec son immense talent. Parcourir l’exposition nous fait plonger avec délices au cœur d’une sa vision rafraichissante, colorée et optimiste. Il ne faut surtout pas s’en priver.

Au dernier étage, dans une grande salle haute de plafond sont projetés les décors d’opéra conçus par Hockney, sur les quatre murs et le plafond. De larges coussins permettent de s’allonger pour se laisser pénétrer de cet univers mouvant. C’est la conclusion musicale d’une rétrospective exceptionnelle.

L’enthousiasme retombe un peu lorsque le visiteur, à la sortie, se retourne vers le bâtiment de la fondation qui apparaît toujours aussi incongru entre le jardin d’acclimatation et le bois de Boulogne. Sorte de gros scarabée balourd et informe, il s’oppose un peu tristement à la légèreté des œuvres de David Hockney que l’on vient d’y voir.

Fernand Léger (1881-1955) est exposé en compagnie de quelques œuvres des nombreux artistes qu’il a inspiré : Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring… dans ce délicieux musée du Luxembourg au cœur du VIe arrondissement. Léger fut l’un des initiateurs du cubisme, il fréquenta Apollinaire, Cendrars, Modigliani, Chagall… Ses œuvres non figuratives sont vives et colorées, par bien des aspects elles annoncent le pop-art sur lequel vont surfer Haring, Lichtenstein ou Warhol qui vont clairement revendiquer son influence et dont quelques tableaux montrés ici illustrent cette transmission.

Barbara Hannigan, soprano et chef d’orchestre canadienne, spécialisée dans la musique contemporaine, a présenté ce soir un incroyable concert à la direction de l’Orchestre philharmonique de Radio-France, en déplacement dans la petite salle de la Cité de la Musique.

« Métamorphoses » de Richard Strauss (1864-1949) constituent la première œuvre de la soirée. La pièce est qualifiée de « étude pour 23 cordes solistes ». C’est l’ensemble des cordes de l’orchestre qui joue, violons, altos, violoncelles et contrebasse. Barbara est habillée d’une chemise noire sur pantalon de cuir de la même couleur et de bottes montantes. Elle a lâché sa dégoulinade de cheveux blonds sur le noir de ses vêtements pour diriger cette pièce plutôt tragique, un long glissando de cordes déchirantes aux harmonies modernes, parfois légèrement dissonantes.

Pour la « Voix Humaine », Barbara Hannigan assure depuis son estrade, à la fois le chant de l’œuvre, une pièce de Cocteau, mise en musique par Francis Poulenc, et la direction de l’orchestre réuni ici au complet. Elle a changé de tenue noire avec cette fois-ci un pantalon de toile rentré dans ses bottes, façon Dock-Martens, et attaché ses cheveux. Comme elle fait face à ses musiciens, un grand écran les surplombe sur lequel sont projetés des images prises en direct par des vidéastes qui y ajoutent quelques effets techniques plutôt de bon aloi. La gestuelle de Barbara est à la fois celle du personnage de Cocteau et celle nécessaire à la conduite de l’orchestre qui semble sa satisfaire de ce partage des tâches. C’est un « dialogue » entre la voix et les instruments qui laisse de larges plages a capella où la soprano prend le pas sur l’orchestre. Son chant est légèrement sonorisé à l’aide d’un petit micro accroché à son oreille et dont la fine tige est appuyée sur une de ses pommettes.

L’histoire de Cocteau est celle d’une femme délaissée s’entretenant au téléphone avec l’amant qui la délaisse. Elle menace de se suicider, brame son amour, dialogue avec l’opératrice car la communication coupe, cherche à s’étrangler avec le fil du téléphone… Les paroles sont un peu nunuches mais c’est la règle du genre de la chanson lyrique française au mitan du XXe siècle. La musique est là pour accompagner, un peu en arrière de la main, dans des rythmes et des harmonies pouvant légèrement heurter les oreilles habituées à des représentations plus classiques.

La performance de Barbara Henningan et son orchestre rencontre un franc succès. Sans doute épuisée par ce double rôle elle revient saluer de nombreuses fois mais évite le « bis ».

L’exposition se déroule à la Bourse de commerce – Collection Pinault, on s’attend donc à de l’art contemporain, voire très contemporain. Il s’agit de la « représentation des corps » (le visiteur constate assez vite qu’on parle de essentiellement de corps « racisés ») dans l’art. Dessins, sculptures, peintures, vidéos, toutes ces œuvres créées par des artistes de différents pays mais qui font surtout référence à la culture américaine, tel le film présenté à l’entrée sous la rotonde, une pêle-mêle d’extraits de journaux télévisés où se succèdent sur un mode flash des images de bavures policières, manifestations contre la guerre du Vietnam, entrecoupées d’apparitions saccadées de héros locaux, de Miles Davis à Barak Obama, en passant par Jimi Hendrix et Martin Luther-King. Le ton est donné.

La suite des représentations de corps est plus confuse et diverse. L’imagination des regardeurs permet à chacun d’interpréter le but des artistes. Parfois on reste dans l’expectative, ce qui est un objectif comme un autre…

Le grand hall central sous la verrière, est toujours cerné d’un mur en béton nu épousant la forme ronde du hall et pouvant lui aussi provoquer l’expectative du visiteur. Heureusement on visite le bâtiment aujourd’hui avec une spécialiste qui nous vante un « miracle architectural d’occupation de l’espace », le côté extérieur du mur permettant, via un escalier qui y est fixé en une sorte de colimaçon géant, d’accéder aux différentes salles d’exposition situées dans le bâtiment rectangulaire qui cerne cette rondeur. Un peu de stabilité dans l’infini du cercle !

C’est un très joli film de Carine Tardieu qui est sorti le mois dernier sur les écrans, une comédie romantique parfois un peu tristounette mais pétillante grâce aux deux personnages centraux : Sandra, jouée par Valéria Bruni-Tedeschi et le petit garçon Elliott dont l’affection et l’innocence vont mettre à l’épreuve le caractère féministe et solitaire de Sandra, libraire militante et voisine de palier d’Elliott et sa famille. Les évènements font qu’elle va se rapprocher de cette famille sans compromettre avec ses principes de distance avec le modèle patriarcal, tout en restant « la voisine », rien d’autre.

Valéria Bruni-Tedeschi interprète son rôle avec beaucoup de justesse, tout en retenue et sans jamais se défaire de son sourire charmeur et délicat. Un peu agoraphobe, un peu timide, elle se fait tout de même violence pour assister au remariage du père d’Elliott, devenu veuf, avec la pédiatre roumaine de sa fille. Il y a de la musique tsigane et les Pretenders (Don’t get me wrong – 1987). Quelques amants ne font que passer dans sa vie. Elle s’accroche à son désir d’indépendance qui vacille tout de même un peu face à la joyeuse agitation familiale de ses voisins à laquelle elle se laisse associer.

Un film plein de tendresse et d’émotion qui rappelle ceux de Claude Sautet dans les années 1970 : chaleur de l’amitié, risques de l’amour et drames de la vie transcendés par la compréhension dans les relations humaines. « Vincent, François, Paul et les autres » revisités en 2025 !

Nous sommes dans un petit village de la montagne italienne, Vermiglio, à la fin de la deuxième guerre mondiale. Le film se passe entre l’église, le bistrot, l’étable et la demeure du maître d’école qui a huit enfants. C’est sans doute le personnage le plus touchant du scénario, il déploie toute son énergie pour faire sortir les enfants, dont les siens, de l’état de paysans illettrés auquel ils sont promis. Et puis il aime la musique, « la nourriture de l’esprit », et consacre une partie des maigres ressources de la famille à acheter des disques de Chopin qu’il passe sur son gramophone 78 tours pour inspirer des réflexions solitaires.

Sa fille tombe amoureuse d’un sicilien qui s’est réfugié dans le hameau. La fin du conflit arrive, certains soldats reviennent dans le village, d’autres sont morts au combat, on ne sait pas bien de quel côté ils se battaient d’ailleurs, mais qu’importe la joie ou la douleur d’une mère est toujours la même lorsque son fils revient de la guerre… ou est déclaré mort. Le sicilien qui s’est marié entre temps avec la fille de l’instituteur décide de retourner dans son village pour y donner de ses nouvelles avant de revenir auprès de sa femme qui est enceinte de lui. Mais il ne reviendra pas.

Le film va au rythme des saisons de la montagne et marque la lenteur et l’éternité de ce monde minéral dans lequel évolue le petit microcosme de ce village perdu dans les hauteurs et ses traditions. L’instituteur fait de son mieux pour pousser ses enfants dans l’échelle sociale mais il doit faire des choix douloureux par manque de moyens. Sa fille délaissée fait le voyage vers la Sicile pour découvrir la double vie de son mari…

Il ne se passe rien dans ce film, seulement la vie qui déroule les petits évènements d’une communauté de montagnards durs à la souffrance, touchants dans leur dénuement, confrontés aux émotions ordinaires à une époque qui nous semble hors du temps. C’était simplement le mitan du XXe siècle.

Vermiglio, un éloge de la lenteur !